Este livro, com foco histórico na relação entre arte, ciência e tecnologia, é o
resultado do esforço coletivo de especialistas internacionais em muitas disciplinas,
atuantes em variados campos de conhecimento, atendendo ao convite recebido para
realizar uma publicação no Brasil, somada a outras publicações internacionais, em
diversos formatos de textos e material multimídia e em línguas diversas, organizadas
pelo International Publication Committee, presidido por Roger Malina, ligado ao evento
que se realizou em 2005, REFRESH! The First International Conference on the Histories
of Media, Art, Science and Technology, com curadoria-geral de Oliver Grau. A antologia
inclui convidados especiais que são referência histórica da relação entre arte, ciência
e tecnologia no Brasil. O objetivo é colocar na história da arte, em nosso país, os
elementos necessários e as estratégias que configuram as teorias desse campo de
conhecimento, bem como artistas, instituições, tipos de documentação, a relação com os
espaços de exposição/museus e coleções, metodologias adequadas ao estudo, especialmente
pelas abordagens historiográficas, discussão de problemas científicos e as influências
recíprocas nas trocas entre arte, ciência e tecnologia.
ORELHAS:
A arte digital - filha da tecnologia - ainda não entrou pela porta principal dos museus
de belas-artes, nem tem merecido reconhecimento por parte da história da arte
contemporânea. Por que tanta demora nessa aceitação? Pela resistência à tecnologia. Mas
também porque a arte digital coloca em suspenso todo um sistema que abrangia um certo
tipo de imagens, bem como seus produtores. Não obstante, a suposta estabilidade da arte
estava sendo minada a partir de várias frentes. Vejamos algumas.
Agora, assumidamente, assistimos à crise da representação, produto do pensamento
analógico. Entretanto, isso não é novidade. Em 1917, o biólogo e matemático D´Arcy
Thompson, em seu clássico On Growth and Form, já havia apontado para o papel da ciência
e da tecnologia como determinantes da forma e da estrutura dos organismos vivos, apesar
de que a ciência emprega fórmulas que não são visuais.
Além disso, hoje, aceita-se a contaminação entre formas de diversas linguagens
(antecipação do hiperlink?); recorre-se a materiais que não são nobres à fragmentação
da imagem pelo advento da collage; ao emprego de suportes que não são o tecido, nem o
papel, o bronze, ou o mármore, fazendo com que tudo se torne útil, inclusive a tela. E
não só isso: a arte foi se tornando efêmera. Frank Gehry limita-se apenas a esboçar
seus projetos, uma vez que os programas digitais conseguirão racionalizá-los. Poder-se-
ia pensar que a perspectiva deixou de ser prospectiva.
E o que dizer da história da arte contemporânea? Tratar da história da arte
contemporânea não seria incorrer em um oxímoro? O certo é que já se tem começado a
teorizar em torno de uma antropologia das imagens (Hans Belting) e a elaborar histórias
das imagens vinculadas ao que se costuma chamar de "estudos visuais" (Mieke Bal, WJT
Mitchell e outros) como resposta à história da arte convencional e
ao "ocularcentrismo". E, neste contexto, a arte digital tem um lugar na arte
contemporânea.
Arte, ciência e tecnologia fornece provas definitivas disso, para benefício dos
leitores. A organizadora deste livro selecionou com inteligência 28 ensaios escritos
por alguns dos mais notórios pesquisadores, criadores e estudiosos na área da
artemídia, ou seja, net.art, arte interativa, genética e telemática; e também robótica,
a-life e nanotecnologia.
Esses ensaios submeteram a arte digital a uma abordagem enriquecedora e sob os mais
diversos ângulos. Do conjunto, apreende-se, com absoluta nitidez, que os computadores
ampliaram os horizontes da criatividade. E que, como desejava Proust, na arte "não há
nada de novo, há novas formas de vê-la". Ou de fazê-la.
Quarta capa
"As artes, ciências e tecnologias representam diferentes modos de ser e agir no
mundo. Muitas pessoas, por meio de sua prática criativa, escolhem entrelaçar essas
diferentes abordagens..."
Roger F. Malina
"Há uma grande diferença entre a arte que se produz hoje, esculpindo os produtos
'imateriais' da tecnologia, e a primeira revolução da modernidade, as vanguardas
do início do século. Enquanto estas últimas atuavam no âmbito de uma pequena
elite cultural, constituindo um segmento mais ou menos autônomo dentro da sociedade
[...], hoje, as artes produzidas no coração das mídias e das tecnologias colocam o
artista no centro das engrenagens de poder, ao mesmo tempo que afetam diretamente os
modos de produção e consumo, comunicação e controle da sociedade como um todo."
Arlindo Machado
"Uma grande reviravolta operou-se no cenário da arte tecnológica com a assimilação da
informática pelos artistas de várias áreas. Cada vez mais atuantes e imprescindíveis em
ilimitados aspectos da sociedade moderna, os computadores digitais logo foram
assimilados e pesquisados pelo pensamento da arte. As máquinas "cerebrais" tornaram-se
instrumento de novas formas de inventividade e também passaram a influenciar nas formas
de arte em vigor."
Walter Zanini
"A tecnologia é um ingrediente da cultura contemporânea sem o qual ciência,
arte, trabalho, educação, enfim, toda a gama da interação social tornar-se-ia
impensável."
Lucia Santaella
Sobre a autora
Diana Maria Gallicchio Domingues é Pós-doutora pelo ATI - Art & Technologies de
l´Image, Université Paris VIII e Doutora em Comunicação e Semiótica pela PUC/SP.
Artista, pesquisadora nível 1 CNPq, professora colaboradora na Universidade de
Brasília - Pós-Graduação em Arte - Linha de pesquisa Arte e Tecnologia. Entre livros
de autoria individual ou organizados publicou títulos de referência como: Arte e vida
no Século XXI: Tecnologia, Ciência e Criatividade, UNESP, 2003; Criação e
Interatividade na Ciberarte, Experimento, 2002; A Arte no Século XXI: a Humanização das
Tecnologias, UNESP, 1997.
Temos aqui a imagem de uma escultura de um jovem cheio de estilos da época clássica “Doriforo” obra do grande artista Policleto, pois, na antiga Grécia a escultura nua tinha um significado muito importante para sociedade da naquela época, o corpo era exibido como forma de troféu.
Esta imagem retrata um homem jovem com bela aparecia totalmente nu, com seu físico bem musculoso, pelo o que pode perceber ele parece esta em uma passarela, pois esta com as penas em forma de passo com um braço levantado e outro esticado, sua coluna ereta e a cabaça inclinada como se estivesse se movimentando.
No período clássico séc.v a. C as esculturas já começaram a serem apresentadas em formas de movimentos, diferente do período arcaico que eram expostas imóveis, nessa época do período clássico inicia-se uma fase onde a imagem física é muito valorizada e as esculturas passam a serem representas como se estivessem em movimentos, dando lhe mais valor as obras desse período onde se buscava o Maximo de perfeição das características do corpo humano.
Esta é uma escultura de “Hermes Dionísio” do artista Praxiteles, que aqui representa o Deus Hermes com o jovem Dionísio, séc. IV a.C. Ela é fabricada em mármore branco de Paros, com 2,15 m de altura.
E pelo o que se percebe ah um suporte que aparentar ser um troco que esta coberta com um pano grande, onde o jovem nu se exibe com uma criança ao seu braço que esta também enrolada apenas do bumbum para baixo com um simples pano, o seu corpo bem musculoso com uma perna esticada e a outra em descaso para suporta o peso do corpo e enquanto fica em descansa o troco servi de suporte para as duas imagens, pela a posição da cabeça dar a entender que ele estar com os olhos atentos para a criança que simboliza o gesto da cena em movimento.
Na verdade o jovem Deus era o “mensageiro dos deuses, patrono dos viajantes e dos ladrões, deus do comércio, dos atletas, das artes liberais e das belas-artes.” Que na época Helenística as esculturas costumavam serem inspiradas em emoções, e a imagem do homem também era vista como algo muito precioso, como Hermes demonstra esta cuidando de Dioniso e protegendo de Hera pelo o que se sabe das historia, causa fortes sentimentos religiosos e patrióticos. Portanto a obra de Praxíteles nos exprime um ideal de beleza, sentimentos, e impõe características essas do período clássico das artes gregas.
Praxiteles - Wikipédia, a enciclopédia livre
